【從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展】故宮北院展出多幅藝術家經典作品

這次故宮北院與美國紐約大都會藝術博物館（The Metropolitan Museum of Art）合作，展出38位藝術家共81件經典名作，作品是由羅伯特・雷曼（Robert Lehman）先生捐贈予大都會博物館的珍貴藏品來臺。2025/6/14-2025/10/12在故宮北院第二展覽館展出。

紐約大都會博物館被譽為世界三大博物館之一（與巴黎羅浮宮、倫敦大英博物館齊名），自1870年成立以來，館內收藏橫跨人類五千年文明，從古埃及、希臘羅馬，到亞洲、歐洲文藝復興與現代藝術，超過200萬件藝術珍品，從雷諾瓦、塞尚、梵谷、高更等西洋藝術巨匠，到中國書畫、埃及木乃伊、日本浮世繪、法國時裝精品，被視為「人類文明精華的總和」，每年更吸引超過五百萬名來自世界各地的訪客參觀，也堪稱全球最受歡迎的的博物館之一。

我那時候有買預售票，入場有獲得紀念票，好適合與背板來張合照！

【從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展】故宮北院展出多幅藝術家經典作品 - 第2張圖

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展覽動線介紹

現場作品範圍從印象派、後印象派到早期現代主義，跨越 19 世紀中葉至20 世紀中葉，透過「身體姿態」、「肖像與人物」、「徜徉自然」、「從城市到鄉村」及「水岸風光」等五大主題。

走進《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》，像是踏入一場色彩與情感並行的藝術旅行。不再只是課本或博物館圖錄中的印象，而是真實地、帶著溫度地存在眼前。

身體姿態

在西方藝術發展中，裸體長期被視為展現藝術技巧與審美理想的重要題材，特別著重於男性身體的解剖結構與古典比例之美，而女性常被排除於正式藝術教育之外。19世紀中葉，藝術家愛德華・馬奈（Édouard Manet）與古斯塔夫・庫爾貝（Gustave Courbet）打破傳統，將真實的女性身體呈現在畫布上，挑戰當時對「裸體」的定義與觀看方式。這些作品不再僅是理想化的美學符號，而是揭示真實的身體、個體性與情慾感知，重新定義了身體與觀看者之間的關係。從巴黎沙龍的保守體制一路到20世紀，藝術家開始透過更親密、私密的視角切入，探索身體與性別的多重面向，也開啟了身體成為社會、文化與性別議題探討的重要載體。這段歷史不只是藝術轉變的見證，也反映出觀看者對身體態度的演變。

這一區我一眼就認出高更的作品，真的是辨識度很高，我也很喜歡他的用色，有一種熱帶島嶼風格的感覺，而且這張畫中的女人們不是畫正面，以背面呈現反而有一種距離美。鮮明飽和的色塊與平面化的構圖，這不只是對外在的描繪，而是充滿野性與詩意。

保羅•高更《大溪地的出浴女子》Tahitian Women Bathing 1892

【從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展】故宮北院展出多幅藝術家經典作品 - 第3張圖

蘇珊・瓦拉東的斜臥裸女，讓我想到鐵達尼號裡面蘿絲在被傑克畫出來的時候感覺，畫中的女人不再是柔美理想化的形象，而是沉穩、堅定、幾乎有些張力的身體。她既是被看見的對象，也是主體本身。作為少數由女性創作者畫出的女性裸體，瓦拉東在這幅畫裡表達的，不只是肉身，更是一種觀看的立場與權力。

蘇珊・瓦拉東《斜臥裸女》Reckining Nude 1928

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肖像與人物

19世紀晚期，藝術家重新定義肖像畫的角色，不再只為菁英階層作畫，而是聚焦於法國中產階級的真實生活。庫爾貝與雷諾瓦等畫家開始接受委託，尋求在藝術性與觀者喜好之間取得平衡。另方面，前衛藝術家則挑戰傳統，描繪親近人物或自我，打破真實再現的框架。德加（Edgar Degas）則強調「繪畫」應超越描寫，重視主觀感受與風格，並融合攝影技巧，開創更具個人視角的肖像藝術。

彈鋼琴的兩位少女共有4幅油畫作品，雷曼收藏的這幅畫作是長期以來被視為最出色的版本，雖然我看不出來跟其他版本有什麼不同，但我特別喜歡雷諾瓦畫作呈現的方式，裙襬的光澤、頭髮的捲度、甚至背景裡家具的細節，都很細緻卻不刻意。捕捉的畫面是很日常的互動，那個瞬間彷彿可以聽到她們在討論的聲音。

我還聽到現場有人跟朋友說，我來看這個展就是為了看這幅畫，聽了真的是替她覺得感動！

奧古斯特・雷諾瓦《彈鋼琴的兩位少女》Two Young Girls at the Piano 1892

【從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展】故宮北院展出多幅藝術家經典作品 - 第5張圖

如果只能選一幅畫帶回家，我會毫不猶豫選《春日》。我喜歡考特處理光影與布料的方式，女生那件薄紗裙子幾乎要隨風飛起來，整個畫面輕盈又曖昧，舒服又不覺得過於裸露。

而且最厲害的是，這幅畫是19世紀的作品，但浪漫完全不過時。那種偷偷心動的感覺，讓人會心一笑。

皮埃爾・奧古斯特・考特《春日》 Springtime 1873

【從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展】故宮北院展出多幅藝術家經典作品 - 第6張圖

這幅瑪麗・卡薩特的《春天：站在花園裡的瑪格》在展場裡的氣氛超療癒，她把小女生化的活靈活現，很像是用相機捕捉的畫面，導覽老師說有一種小女孩抓著裙子跑過來的瞬間，臉蛋紅通通，衣服也滑落，很真實的「童年感」

瑪麗・卡薩特《春天：站在花園裡的瑪格》Spring: Margot Standing in a Garden 1900

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徜徉自然

19世紀起，自然風景成為藝術創作的重要題材。隨著公共衛生與工業化推進，人們開始重視綠地與自然美感。可攜式顏料的出現讓戶外寫生盛行，藝術家紛紛前往鄉間與森林創作。楓丹白露森林成為巴比松畫派發源地，印象派與後印象派畫家則探索自然光影與氣氛的變化。到了20世紀初，馬諦斯等野獸派畫家更將自然色彩表現得大膽奔放，發展出充滿個人風格的自然詮釋。

徜徉自然系列裡，我特別喜歡兩幅作品。

第一幅是亨利・埃德蒙・克羅斯筆下充滿光影層次的《水岸松林》，色彩跳脫卻又和諧，讓人彷彿能感受到午後的微風。我也很喜歡他色彩以及作畫呈現的方式，很有層次感也有光的效果。

亨利・埃德蒙・克羅斯《水岸松林》Pines Along the Shore 1896